手边专辑的封套顺次排列，排成一个标签，POST ROCK。

郝舫在一篇乐评中这样说，一部音乐史也就是一部厌倦和逃脱厌倦的历史，像有人说过的那样，为了逃避无聊，人们发明了音乐；为了逃避音乐的无聊，人们发明了摇滚；为了逃避摇滚的无聊，人们发明了朋克；为了逃避朋克的无聊，人们终结了历史。

同意。

包括音乐，几乎所有的艺术形式都是在追索新鲜感的步伐中不断前进的，当我们可以把握一种艺术的脉门，当我们开启的一种艺术的所有可能，当我们把一种艺术玩弄的无以复加，无法榨取更富足的给养的时候，它已经没有存在的意义。

好在艺术像人类的历史一样是在不断向前推进的，只要人类一天不消失，艺术也会像盘旋在时间箭头上的藤蔓一样疯长。音乐也一样。

所以历史并未结束，没有朋克，我们还有电子乐，抛弃了电子乐，我们还有后摇滚。

在现代音乐中体现的尤为明显，几乎每一种新音乐最初都是以反叛者和革命家的身份出现的，紧接着簇拥而来的陈胜吴广们不断的充实着新艺术的内核，最后当聪明的人们抓准了新音乐的规律并进行肆无忌惮的复制时，所谓的新音乐就不再具有蛊惑的力量。而内部更加反叛的芽孢正在成熟的旧规则的庇佑下暗暗滋长。
这不就是马克思的蓝图中人类发展的历史么。

至今我仍然天真地认为在古希腊文明中精神文明的发展是极大的跨步于物质文明的发展的。而相比之下现在的精神文化已经远远跟不上飞驰的经济发展了。有的艺术家在温柔乡里自甘堕落，更多的精神财富的创造者们在月光黯淡的路轨旁望着没有终点的平行线嗟叹，然后转过身向后面悠然散步的人群们歇斯底里的怒吼你们能不能快点，最后愤慨以无奈告终之后夸父们只能又回身追寻自己的太阳。

可是尾随的人们又能怎么样呢？他们要制造能够养活60多亿人的物质财富，他们要为国家之间关于利益分配的博弈买单，他们要发明更高效的机械使更多的人失业，他们要为每一个粉饰太平的人挥洒钞票制造浪漫气氛，他们要满足少数人多数大量的要求，他们要麻痹多数人微量的疑惑，然后让多数人更多，让少数人更少。。。。

他们要面对这个世界的矛盾。

他们要生存。

他们已经很累了，他们不想绞尽脑汁的思考一个与TO BE OR NOT TO BE有关的问题，他们只要活着，偶尔放松一下，然后继续为活着而奔忙。

所以他们看永远扯不明白的政治或者说大型的综艺节目，他们玩永远找不到终点的迷幻游戏，他们围在电视机或是黑色银幕前等待一个编织的异常乏味的谎言，他们宁愿听没有任何新鲜感的干涩选律也不要混入半点需要思考的杂音。。。。

所以他们只需要快餐，只需要快餐文化。

他们是我们，我们是被物质丰盈的世界玩弄的微尘。

就像 MOGWAI 在《WE ARE NOT HERE》中用贝斯的低频率声响排开的山呼海啸的音墙一样，我们在未接触答案之前已经眩晕。

这也许会是阿基·考里斯马基的最后一部电影。

“我所需要的全部就是一个男人，一个女人，一面墙，一盏灯还有阴影。从画面里拿走女人，剩下男人，墙，灯还有阴影；再拿走男人，还有墙，灯，阴影墙再拿走，还有灯和阴影；最后拿走灯，留下的只有阴影。我不怎么现代，电影里的汽车也都是用过时的款式，现在的车太难看了，我根本就不想拍它们。”他这样说了，他也这样做了。对于这样一位享有盛誉的芬兰导演，即使他冥顽不灵，你也无法弃之不顾，你唯一可以做的就是进入他的电影，按照他的思维去理解它所描述的人生。

我说的是《薄暮之光》。

观看这部影片的自始至终我都处于极度压抑的氛围中——这种压抑并非来自《一条安达鲁狗》的晦涩难解，也不是源于《索多玛120天》的骇人听闻——当你被一种无法摆脱的挫折感缠得近乎窒息得时候，也许你会隐约体会到这种感觉。

主人公也是一样。工作庸庸碌碌，被三年来甚至无法叫出他名字的同事歧视，在包括酒吧的每个角落扮演城市底层人物的角色，想要开公司却被银行经历奚落，威士忌催化的正义感被猛汉的拳脚浇灭，似乎他，考斯蒂南，将永远笼罩在无边无际的失败中。

然后一个风姿绰约的美貌女子出现——当然，这是一个阴谋。

让我们就此打住。如果是一位好莱坞导演，他接下来会怎样？气氛的极度渲染，一段美丽到无以复加的甜蜜爱情，然后是撩人的对白，雅致的音乐，慢镜，特写，爱人们开始享受鱼水之欢。紧接着镜头在男人女人激烈的动作和幕后操纵者的阴谋述说之间剪来剪去。最终影片在电光火石般的抢劫中进入瞠目到令人发指的动作戏……

“好莱坞狗屁！让美国佬去赚钱吧，当他们的钱多得装不下时，我再从地上捡几个小钱——这就是我们说的艺术电影”。我不知道他“当代电影导演里的摇滚者”是否因为他这种对好莱坞的极端仇视而得名，但至少他秉承了艺术家的一贯品性——整部电影几乎在一个平稳的述说状态中进行，没有高潮，甚至没有一次波澜，除了间或出现的黑色幽默（我的感觉是一点不幽默，反倒产生一丝悲悯）。导演就让我们这样一直压抑着直道影片的最后一刻。

让人感到压抑的并不仅仅是故事本身，主人公配角群众演员贯穿始终的僵硬表情，考斯蒂南陷入铁窗才能偶现笑容的木讷神态，大段无焦点的停滞画面，电影似乎已经惨淡到没有任何亮点——当然，如果把那段近乎愚蠢的忠诚排除在外的话。“忠诚的像条狗，浪漫主义的蠢蛋”，这是抢劫的主谋对他的评价，事实也的确如此。他忠诚到明知受骗却仍然对法官三缄其口，忠诚到的甘心接受一次又一次显而易见的欺骗，忠诚到看见女人对他栽赃也仍然装作毫不知情，我们不能说这样的忠诚已经遭到了现实毫不客气地嘲弄，而且是嘲弄到出狱之后的尴尬重逢，丢了工作之后对劫犯头头的未遂报复。

嘲弄到他被打的奄奄一息，他的眼神仍是那样的呆滞，像一条拼死的鱼。

可导演终究是心软了，影片的结尾两只手握在一起，薄暮之后出现了光芒。像很多导演一样，他在整场的残酷之后给了影片一个有轻微慰藉感的结局。但是如果把电影拍成《薄暮》的话，也许情况会更理想。

电影总体来说是值得称赞的，但是如果仅就这部影片就妄下结论说

阿基·考里斯马基伟大到成为芬兰的电影名片似乎为时过早，因为就我个人而言，影片还存在着一些不尽如人意的地方。首先就是音乐。导演似乎要把一切音乐都置身于环境中（为此还多给了各类扩音器留声机些镜头）。许是给影片增加些现实感，许是帮助少言寡语的主人公表达一下内心的潜台词，一些音乐选择不当也就算了，但是几乎所有的音乐在结尾的时候都采用淡出处理，像是剧情中，又脱离剧情。也许导演食言再拍电影的时候可以弄一些时间适当的音乐可以在需要的时候戛然而止，免得在切换分镜头的时候留下麻烦。

再有就是一些镜头时间分配过长。在此仅举两例，一是酒馆中挨打的那一段，画面停滞了20秒左右而观众甚至除了抽烟人肉背景以外找不到任何可以留住注意力的东西（这一段其实不错，我也理解导演已经做了尽量的简化，但是你可不可以换种方式表现时间的流逝，再不成你把酒杯稍微的摇晃一下也别让吾辈找不到任何可以看得东西成么）。二是disco中长达一分钟对于那段摇滚现场的描写（干脆加长点给这乐队拍个mv得了），一分钟内除了能表现主人公对于娱乐生活的疏离——或许还能抽出些社会问题——而外导演还能在画面里告诉我们什么。

当然这仅仅是对我的个人好恶而言，幸运的是他在一次访谈中说道：“必须承认我后来的作品太长了，去年完成的《薄暮之光》只有59分钟，4个月之后我却必须拍一些辅助性的场景，真是愚蠢——故事都已经讲完了，没什么可加的了——但是最后我却给它加到了80分钟。”相信很多累赘的东西会在附加的21分钟之内，我也可以继续想象当这部电影简化为59分钟时会是什么样子。

最后想说说个人的理解：似乎所有学院派的导演都以用镜头完全表现内容为乐——我承认在镜头中寻找故事是一件颇为有趣的事，但电影作为一门艺术而言再也无法单纯到仅用摄影机表现一切，文字，音乐，甚至更多的艺术门类都应该被吸纳到电影当中成为它的组成部分（当然他们都不应该比故事本身更加吸引观影者的注意力）。这就像是诗：不仅需要赏心悦目的语言，还要包含跃动的想象，歌一般的韵律和节奏，惟此才能成为一首好诗，惟此才能成为一部好电影。

虽然这只是我的个人理解。

不过这部电影仍然让我对阿基·考里斯马基执导的传说中“20世纪最后一部默片”——《Juha》充满期待。他曾经说给商业拍彩色，给自己拍黑白。我也确实想知道，这位脑后似乎有反骨的导演到底可以嚣张到什么程度。

今天发现空间竟然可以正常登陆了，实在是奇迹。

不过我已经开始打算换一个博客了。